어나더선데이 | Another Sunday — 웹진 & 아트 플랫폼

알프스 산골 마을에서 자란 마테오 하이츠만(Matteo Haitzmann)은 여섯 살에 바이올린을 배웠다. 민속 음악과 재즈, 바로크 바이올린을 거쳐 퍼포먼스 아트로 활동을 넓혀온 그가 〈Make it Count〉에서 손에 쥔 악기는 줄넘기다. 줄이 바닥을 치고 두 발이 다시 허공에 뜨는 동안, 뛰는 몸은 어떻게 음악이 될까. 줄넘기가 악기가 되는 무대2025년 7월, 빈 임펄스탄츠(ImPulsTanz) 페스티벌. 무대 한가운데 놓인 좁고 긴 단 위에 하이츠만이 붉은 줄넘기를 들고 섰다. 왼쪽에는 확장 드럼을 맡은 유디트 슈바르츠(Judith Schwarz)가, 오른쪽에는 모듈러 신시사이저를 연주하는 아르투어 푸시(Arthur Fussy)가 자리했다. 하이츠만은 한 시간 가까이 줄넘기를 했다. 바닥에 설치한 마이크가 줄이 닿는 순간의 타격음을 포착했다. 그 위로 줄이 공기를 가르는 소리와 드럼, 신시사이저의 음색이 겹쳐졌다. 빈과 베를린을 오가며 활동하는 바이올리니스트이자 퍼포머, 작곡가인 하이츠만의 콘서트 퍼포먼스 〈Make it Count〉다.〈Make it Count〉 공연 장면. 마이크를 단 바닥 위에서 줄넘기가 드럼, 모듈러 신시사이저와 함께 하나의 앙상블을 이룬다. 사진 Stefan Hauer바이올린을 들고 춤을 추기까지하이츠만은 오스트리아 잘츠부르크주의 작은 마을 운켄(Unken)에서 태어났다. 마을에는 전통 의상 협회가 있었고, 슈플라틀러 춤과 메이폴 축제도 일상의 일부였다. 여섯 살에 바이올린을 배우기 시작한 그를 어머니는 레슨이 있을 때마다 차로 한 시간 거리인 잘츠부르크 시내까지 데려다주었다. 어린 시절 그가 배운 곡은 주로 클래식 레퍼토리였다. 늘 가까이 있던 민속 음악에 연주자로서 관심을 기울인 것은 한참 뒤였다. 민속 음악을 연주하면서 그는 클래식과 낭만주의 레퍼토리 바깥의 음악을 탐색하기 시작했다.학교를 마친 뒤에는 3년 동안 전업 모델로 세계 여러 곳을 다녔다. 이 시기에 패션과 시각예술에 대한 관심이 깊어졌고, 이후 다시 바이올린을 들었다. 2011년 린츠의 안톤 브루크너 사립대학교에서 재즈 바이올린과 바로크 바이올린을 함께 공부하기 시작했다. 같은 무렵 컨템퍼러리 포크 앙상블 ALMA를 결성했고, 재즈 컬렉티브 리틀 로지스 킨더가르텐(Little Rosies’ Kindergarten)과 즉흥연주 4중주단 s q u a m a t a에도 창립 멤버로 참여했다. 이후 빈 미술 아카데미에서 퍼포먼스 아트를 공부하고 베를린 예술대학교(UdK)에서 SODA(Solo/Dance/Authorship) 석사 과정을 마쳤다.2017년에는 ALMA와 니더외스터라이히 톤퀸스틀러 오케스트라의 협연으로 빈 무지크페라인 황금홀에 데뷔했다. 빈 콘체르트하우스와 함부르크 엘프필하모니, 파리 퐁피두 센터와 브뤼셀 카이테아터에서도 무대에 섰다. 그가 자신의 몸을 새롭게 바라보게 된 계기는 안무가 시몬 마이어(Simon Mayer)의 〈Sons of Sissy〉였다. 알프스의 민속 음악과 춤, 의례를 실험적으로 풀어낸 이 작품에서 그는 연주와 춤을 함께 맡았다. 춤이 자신에게 자연스럽게 느껴진다는 걸 처음 알게 된 무대였다고 그는 회고한다.10분의 실험에서 한 시간의 공연으로〈Make it Count〉의 출발점은 베를린 예술대학교 입학 지원을 위해 만든 10분짜리 솔로였다. 하이츠만은 냄비에 마이크를 달고, 뛸 때 나는 소리를 실시간으로 녹음해 반복 재생하는 실험을 했다. 2021~2022년에는 빈의 재즈 클럽 포기 앤 베스(Porgy & Bess) 레지던시에서 줄넘기와 드럼으로 구성한 10분짜리 듀오를 처음 선보였다. 그는 이 무대에서 같은 동작을 거듭하는 일이 뛰는 사람과 지켜보는 사람 모두에게 얼마나 강렬한 경험이 될 수 있는지 실감했다고 한다.하이츠만은 이 방식을 ‘점핑 히프노시스(Jumping Hypnosis)’라고 부른다. 한 시간 가까이 점프가 이어지면, 처음에는 익숙해 보이던 동작이 점차 최면이나 의례처럼 느껴진다. 줄은 일정한 간격으로 시간을 재는 진자이자, 바닥에 닿을 때마다 소리를 내는 악기다. 그는 이 공연의 구성을 재즈에 빗댄다. 곡의 형식을 미리 정해두고 그 안에서 즉흥적으로 연주하듯, 무대에도 정해진 구조와 즉흥의 여지가 함께 있다. 조명 디자이너 한나 크리텐 탕수(Hanna Kritten Tangsoo)와 사운드 디자이너 루카스 프로샤우어(Lukas Froschauer)가 설계한 빛과 소리, 무대를 채우는 안개도 이 흐름을 따른다.작품은 2023년 12월 베를린 예술대학교 SODA 졸업 공연에서 첫선을 보였다. 이듬해에는 빈의 공연장 브루트(brut Wien) 무대에 올랐고, 2025년에는 도른비른의 탄츠 이스트(tanz ist) 페스티벌과 임펄스탄츠의 [8:tension] 시리즈에 초청됐다. 같은 해 오스트리아 안무 플랫폼(Choreographic Platform Austria, CPA) 선정작으로 잘츠부르크 SZENE에서도 공연됐다. 하이츠만에 따르면, 춤 공연이 낯선 관객도 계속해서 뛰는 몸이 들이는 수고만큼은 함께 느낄 수 있었다고 한다.공감과 고독을 노래하는 목소리첫 솔로 작업 〈Those we lost〉(2022~2023)에서 하이츠만은 무대 위에서 처음으로 노래를 불렀다. 작품의 출발점은 사진가 기디언 멘델(Gideon Mendel)이 1993년 런던 최초의 에이즈 병동을 기록한 사진집 《The Ward》였다. 하이츠만은 이 사진들을 통해 1980~1990년대의 기억을 현재로 불러오고, 그 시절의 상실을 퀴어 공동체의 유산으로 기렸다. 뮤직비디오 〈Do what you have to do〉도 이 프로젝트와 함께 발표했다.2025년 10월 브루트에서 초연한 〈Im Styx baden〉(스틱스강에서 목욕하기)에서는 자신의 고독을 음악적 독백으로 풀어냈다. 하이츠만이 ‘퍼포머티브 발라드 이브닝’이라 부르는 이 작품의 제목은 그리스 신화에서 이승과 저승을 가르는 스틱스강에서 따왔다. 그는 2년간 쉼 없이 일하면서 타인의 감정에 공감하는 능력마저 잃어가는 듯했다고 말한다. 일이 감당할 수 없을 만큼 쌓일 때 찾아오는 상실감과 고독, 많은 이들에게 익숙할 그 감정에서 작품은 시작됐다.하이츠만은 무대에서 자신과 다른 누군가를 연기하게 되는 순간을 경계한다. 그가 뛰거나 몸을 흔드는 것은 자기 동작이 어떻게 보일지 판단하는 데서 잠시 벗어나기 위해서다. 관객이 편하게 다가올 수 있으면서 자신도 관객석에 앉아 보고 싶은 공연을 만드는 것. 그에게는 그 두 가지가 모두 중요하다. 뛰어난 기교는 여전히 그를 매혹하지만, 그 기교를 언제 쓸지는 신중하게 고른다. 〈Make it Count〉에서 그 선택은 선명하다. 줄이 정확한 박자로 바닥을 치는 소리를 들으면서, 관객은 또한 그 박자를 이어가기 위한 하이츠만을 있는 그대로 바라보게 된다.활동 거점 오스트리아 빈, 독일 베를린분야 바이올린, 보컬, 퍼포먼스, 작곡주요 작업 〈Im Styx baden〉(2025), 〈Make it Count〉(2023~), 〈Those we lost〉(2022~2023), 〈Sons of Sissy〉(시몬 마이어 작, 퍼포머 참여)앙상블 ALMA, Little Rosies' Kindergarten, s q u a m a t a웹사이트 matteohaitzmann.com, instagram.com/matteo.haitzmann출처Choreographic Platform Austria – CPA 25 Interview: Matteo Haitzmann (Angela Heide, 2025-11-06) — 어린 시절, 모델 경력, 학업, 〈Make it Count〉 제작 과정, 〈Those we lost〉, 〈Im Styx baden〉, 작업 태도ImPulsTanz – Make it Count, Performance Archiv 2025 — 공연 구성, 2025년 7월 공연, 크레딧, 사진 저작권자UdK Berlin – Make it Count by Matteo Haitzmann — Jumping Hypnosis, 2023년 12월 졸업 공연SZENE Salzburg – Make it Count, CPA 2025 — CPA 2025 공연, 몸과 소리의 관계Spielboden Dornbirn – tanz ist Festival: Make it Count — 2025년 6월 공연brut Wien – Matteo Haitzmann 작가 페이지 — 약력, brut 공연 목록, CPA 선정, 프로필 사진 저작권자brut Wien – 작가 페이지(Im Styx baden 영문 제목 표기)Salzburger Nachrichten – brut Wien 가을 프로그램 기사 — 〈Im Styx baden〉 10월 22일 초연Salzkammergut 2024 – Matteo Haitzmann — 출생지, 민속 문화, 앙상블, 〈Sons of Sissy〉Oper Köln – Matteo Haitzmann vita — 학력, 무지크페라인 데뷔, 공연 무대Gessnerallee Zürich – Sons of Sissy — 〈Sons of Sissy〉 크레딧Linktree – @matteo.haitzmann — 작가 공식 링크, 활동 분야YouTube – Do what you have to do (official music video)

서울아레나 투시도. 이미지 출처: 정림건축 공연장과 미술관을 중심으로 새로운 공공 문화 건축이 잇따라 문을 열 예정입니다. 이들 건축의 공통점은 공연이나 전시가 없는 시간에도 시민이 머물 수 있는 열린 공공 공간을 함께 설계했다는 점입니다. 건물이 행사를 담는 그릇을 넘어, 일상적으로 찾는 장소가 되려 하고 있습니다. OPENING SOON 서울아레나 서울 도봉구 창동 · 2027년 6월 개관 목표 서울아레나 조감도. 이미지 출처: 정림건축 국내 최초의 음악 전문 아레나입니다. 약 2만 8천 명을 수용하는 메인 아레나를 중심으로 중형 공연장, 영화관, 상업 시설이 함께 들어서는 복합 문화 시설입니다. 설계는 정림건축이 주도하고 삼우설계가 컨소시엄으로 참여했습니다. 공연에 맞춘 음향 설계와 가변형 무대, 시야를 고려한 객석 구조로 다양한 규모의 공연을 소화하도록 계획했습니다. 중랑천 수변과 창동역 일대, 주변 문화·상업 시설을 연결해 공연 전후에도 창동 일대를 자연스럽게 둘러볼 수 있도록 설계한 점이 특징입니다. 서울시는 2027년 5월 준공, 6월 개관을 목표로 하고 있으며, 최근 공정률은 약 81%입니다. 다만 연계 시설인 중랑천 수변공원은 개관보다 2년 이상 늦은 2029년에 완공될 예정입니다. 충남미술관 충남 홍성 내포신도시 · 2027년 준공 목표 충남미술관 설계 공모 당선안 투시도. Courtesy of UNStudio 충청남도가 1,169억 원을 들여 짓는 도립 미술관입니다. 2021년 국제 설계 공모에서 네덜란드의 유엔스튜디오(UNStudio)와 국내 디에이그룹종합건축사무소 팀이 BIG, 스티븐 홀, 스노헤타, 그래프톤 아키텍츠 등을 제치고 당선됐습니다. 당선안은 '스마트 아트 뮤지엄'을 내세워 예술과 관람객이 물리적·디지털 방식으로 함께 교류하는 공간을 제안했습니다. 국내 최초의 제로에너지 미술관이자 문화센터를 목표로 하며, 옥상 테라스와 대형 천창, 넓은 유리 외벽이 특징입니다. 2024년 9월 착공했고, 2027년 2월 준공을 목표로 연면적 약 2만 8,279㎡, 지하 2층·지상 4층 규모로 짓고 있습니다. 충남미술관 설계 공모 당선안 조감도. Courtesy of UNStudio 카이 워터 컬처 하우스(KAI Water Culture House) 덴마크 코펜하겐 · 2026년 12월 5일 개관 카이 워터 컬처 하우스 외관. ©Rasmus Hjortshøj 구마 겐고 앤드 어소시에이츠(KKAA)가 설계한 수변 웰니스 시설입니다. 덴마크의 코르넬리우스 뵈게 아틀리에 포 아키텍처, 빌헬름 라우리첸 아키텍츠와 함께 완성했습니다. 이름은 일본어로 바다를 뜻하는 '카이(kai)'와 덴마크어로 부두를 뜻하는 '카이(kaj)'에서 따왔습니다. 이 프로젝트는 시민의 아이디어에서 시작됐습니다. 2015년 코펜하겐시가 옛 산업 부지인 파피뢰엔(페이퍼 아일랜드)의 활용 방안을 공모하자, 접수된 160개 제안 가운데 상당수가 수영과 휴식을 위한 공공시설을 원했습니다. 이를 바탕으로 2017년 국제 설계 공모가 열렸고, KKAA가 당선됐습니다. 약 5,800㎡ 규모에 수영장 10개와 사우나, 온천탕, 문화 공간이 들어섭니다. 가장 큰 특징은 서로 다른 각도로 기울어진 다섯 개의 벽돌 타워입니다. 외벽에는 회색빛이 조금씩 다른 수제 벽돌 약 30만 개를 계단식으로 쌓았고, 403개의 창을 불규칙하게 냈습니다. 유리로 마감한 저층부 덕분에 항구에서 보면 육중한 타워가 공중에 떠 있는 듯 보입니다. 벽돌 타워 사이의 공간. ©Rasmus Hjortshøj 타워 사이에는 하늘로 열린 야외 수영장 '밸리 풀'(약 26℃)이 있고, 일본 온천에서 영감을 받은 야외 온천탕 '온센'(36℃)에서는 항구 전경을 볼 수 있습니다. 지열 히트펌프로 야외 수영장을 연중 운영합니다. 개관 당일에는 무료로 이용할 수 있고, 이후에는 코펜하겐 시립 수영장과 같은 요금이 적용됩니다. 항구로 이어지는 목재 보드워크와 야외 수영시설은 2027년 초에 문을 열 예정입니다. IN THE PIPELINE · 서울의 새 랜드마크 계획안 아직 렌더링 단계지만, 계획대로 지어지면 서울의 풍경을 바꿀 프로젝트들입니다. 제2세종문화회관 여의도 · 2029년 개관 예정 · 설계 디자인캠프 문박 디엠피 제2세종문화회관 투시도. 이미지 출처: 디자인캠프 문박 디엠피 여의도공원과 한강 사이에 들어서는 복합 공연 문화시설입니다. 1,800석 대공연장과 800석 중공연장, 약 1,700평 규모의 전시장이 계획돼 있습니다. 핵심 개념은 '떠 있는 대지(Floating Ground)'입니다. 공중에 떠 있는 거대한 플랫폼 형태로 수평으로 펼쳐진 한강의 풍경을 건축 안으로 끌어들입니다. 방향이 다른 두 공연장을 위아래로 쌓고, 로비와 공공 공간은 한강과 여의도공원을 향해 열었습니다. 공연장 중심은 나선형 목재로 감싼 '울림의 그릇(Resonant Vessel)'으로 구성했고, 상부에는 한강과 도시를 내려다보는 스카이 포이어(Sky Foyer)를 두었습니다. 제2세종문화회관 상부 공간. 이미지 출처: 디자인캠프 문박 디엠피 동작 아트스페이스 동작구 흑석11구역 · 2028년 개관 예정 · 설계 크리스트 앤 간텐바인 동작 아트스페이스 목재 파빌리온. 이미지 출처: Christ & Gantenbein 스위스 국립박물관 증축과 바젤 시립미술관 확장을 맡았던 스위스 건축 스튜디오 크리스트 앤 간텐바인(Christ & Gantenbein)이 설계한 공공 문화 공간입니다. 건축은 지하의 대형 홀과 그 위의 정원, 두 영역으로 이뤄집니다. 지하 홀은 전시, 공연, 상영, 커뮤니티 모임을 유연하게 담을 수 있도록 설계했습니다. 상부 정원에는 높이 약 30m의 목재 파빌리온이 들어섭니다. 한옥의 마당과 전통 지붕의 절제된 형태에서 영감을 받은 구조물로, 비와 바람, 햇빛을 받아들이는 열린 공간입니다. 주거 단지 한가운데에서 주민들이 머물고 쉬는 공공장소가 되는 것을 목표로 합니다. 파빌리온 하부. 이미지 출처: Christ & Gantenbein JYP엔터테인먼트 통합 사옥 강동구 고덕비즈밸리 · 설계 유현준앤파트너스 JYP엔터테인먼트 통합 사옥 투시도. 이미지 출처: 유현준앤파트너스 자하 하디드 아키텍츠, 헤더윅 스튜디오, 유엔스튜디오 등이 참여한 국제 설계 공모에서 유현준앤파트너스의 안이 선정됐습니다. 핵심 개념은 '밥상(BAPSANG)'입니다. 사람들이 둘러앉아 이야기를 나누는 한국의 밥상처럼, 음식 대신 자연을 가운데 둔 건물입니다. 중앙을 크게 비운 중정형 구조로 자연광과 바람을 건물 깊숙이 들였고, 곳곳에 녹지를 배치했습니다. 위층에는 업무 공간, 아래층에는 연습실과 작업실이 들어서며, 1층에는 팬과 직원이 함께 쓰는 공간과 이벤트 공간이 마련됩니다. 중정과 테라스. 이미지 출처: 유현준앤파트너스 2027 WATCH 2년마다 열리는 서울도시건축비엔날레의 6회 행사가 2027년에 열릴 예정입니다. 직전 5회(2025)는 토마스 헤더윅이 총감독을 맡아 '매력 도시, 사람을 위한 건축'을 주제로 열렸습니다. 6회 총감독과 주제는 아직 발표되지 않았습니다. SUMMARY 새 문화 건축의 키워드는 목재, 한옥의 재해석, 그리고 열린 공공 공간입니다. 건물은 행사를 담는 그릇을 넘어, 일상적으로 머무는 장소가 되려 하고 있습니다. 참고: 디자인플러스, ArchDaily, 대전일보, 포커스경제, 서울도시건축비엔날레

이번 겨울부터 내년 봄까지 국공립 미술관에서 열릴 전시를 살펴보면 몇 가지 공통된 흐름이 보입니다. 감각의 확장(읽기·듣기), 경계를 넘나든 작가들, 그리고 물성에서 출발한 한국 추상입니다.KEYWORD 1 · 감각을 다시 묻다: 읽기와 듣기텍스트힙과 사운드 아트의 흐름이 미술관으로 이어집니다. 두 전시 모두 '본다'에 머물러 있던 관람 경험을 '읽기'와 '듣기'로 넓힙니다.《읽기의 기술》 《읽기의 기술》 포스터. 이미지 제공: 국립현대미술관1970년대 이후 한국 그래픽 디자인, 편집, 출판의 변화를 통해 '읽기'라는 행위가 어떻게 바뀌어 왔는지 살펴보는 전시입니다. 한글 기계화와 데스크톱 퍼블리싱(DTP)에서 웹과 모바일 인터페이스까지, 종이의 시대에서 픽셀의 시대로 넘어온 과정을 다룹니다. 전시는 읽기를 글의 뜻을 이해하는 일에 한정하지 않습니다. 보고, 넘기고, 비교하고, 찾고, 클릭하고, 연결하는 행위까지 모두 읽기로 봅니다.기간 2026. 11. 27 – 2027. 4. 11장소 국립현대미술관 서울 지하 1층 6·7전시실, 전시마당참여 안상수, 슬기와 민, 신신, 오혜진, 김영나, 정병규 등 40인/팀관람료 2,000원《사운드는 언제나 살아있다》 《사운드는 언제나 살아있다》 포스터. 이미지 제공: 서울시립미술관라디오와 전자음악을 중심으로 한 전후 사운드 실험부터 동시대 사운드 설치까지 다루는 국제교류전입니다. 1957년 설립된 폴란드 라디오 실험 스튜디오를 비롯해 한국·폴란드·독일의 예술적 실천을 교차해 보여줍니다. '신호–듣기–몸–공간'이라는 네 가지 개념을 축으로 두 부분으로 구성됩니다. 1부 '사운드는 어떻게 들리는가: 신호에서 감각으로' 2부 '사운드는 어디에 살아있는가: 몸에서 세계로' 기간 2026. 12. 10 – 2027. 3. 21장소 서울시립 북서울미술관 1·2층 전시실 1–4참여 크시슈토프 보디츠코, 김 크리스틴 선, 닻올림, 리그나(LIGNA), 이손, 전형산 등 20명/팀협력 바르샤바 현대미술관, 브로아트센터, 우치 시립미술관관람료 무료KEYWORD 2 · 경계를 넘은 작가들낯선 곳에서 작업하며 자기만의 언어를 만든 작가들을 조명하는 전시가 이어집니다.《파리의 이방인》 《파리의 이방인》 포스터. 이미지 제공: 국립현대미술관한국전쟁 이후 파리를 '현대예술의 수도'로 여기고 프랑스로 건너간 한국 미술가들을 다룹니다. 1925년 한국 미술가로는 처음 파리에 간 이종우에서 출발해, 1950~70년대 도불(渡佛) 작가들의 작업 세계를 조명합니다. 낯선 곳에서 민족적 정체성을 모색하거나, 새로운 주제와 매체 실험으로 미술의 경계를 넓힌 작가들의 삶과 예술을 '이방인'이라는 관점에서 살펴봅니다.기간 2026. 12. 17 – 2027. 5. 9장소 국립현대미술관 덕수궁 전관참여 김창열, 이응노, 이성자, 이우환, 남관, 문신, 방혜자, 한묵 등 50여 명《요모조모 이슬기》 《요모조모 이슬기》 포스터. 이미지 제공: 서울시립미술관1992년부터 프랑스를 기반으로 한국, 모로코, 부르키나파소, 일본을 오가며 활동해 온 이슬기(1972년생)의 개인전입니다. 작가는 인류학적 시선으로 일상의 사물과 언어, 감각을 유쾌하게 연결해 익숙한 인식의 틀을 비틉니다. 세계 각지의 공예 장인들과 협업해 온 것이 특징입니다. 제목은 "곰곰이 생각해 보자. 요모조모 들으며 살펴보면 이미 답은 거기에 다 나와 있다."라는 작가의 말에서 따왔습니다. 1990년대 말부터의 대표작과 이번 전시를 위한 신작을 합쳐 60여 점을 선보입니다.기간 2026. 11. 26 – 2027. 2. 28장소 서울시립미술관 서소문본관 1층 전시실장르 입체, 조각, 설치, 드로잉, 영상관람료 무료 · 도슨트 투어 매일 오후 1시《조지아 오키프와 미국 모더니즘》 《조지아 오키프와 미국 모더니즘》 포스터. 이미지 제공: 국립현대미술관20세기 초 미국 예술가들이 유럽 모더니즘과 다른 미국 고유의 모더니즘을 찾아간 과정을 다룹니다. 시카고미술관의 알프레드 스티글리츠 컬렉션을 중심으로 폴 스트랜드, 에드워드 웨스턴 같은 모더니즘 사진가와 아서 도브, 마스든 하틀리, 찰스 디무스의 작품을 소개합니다. 후반부는 조지아 오키프가 1949년 뉴멕시코에 정착한 뒤의 작업, 즉 해골과 그 지역 풍경을 그린 대표작과 말년 작품에 집중합니다. 전시의 핵심 질문은 "새로운 예술은 한 명의 천재가 아니라 그를 지지하는 공동체에서 나온다"는 것입니다.기간 2026. 11. 12 – 2027. 3. 21장소 국립현대미술관 과천 1층 2전시실협력 시카고미술관관람료 과천 전시관람권 3,000원이후 일정 2027년 4–7월 부산현대미술관 순회KEYWORD 3 · 물성에서 출발한 한국 추상한국 작가 재조명 흐름은 내년에도 이어집니다. 이번에는 재료의 물성을 오래 탐구해 온 원로 작가들이 주인공입니다.송수련컬렉션 기증기획전 《관조―추상》 송수련, 작품명 확인 필요. 이미지 제공: 서울시립미술관한지와 먹을 중심으로 점과 선의 반복과 중첩을 통해 독자적인 추상 언어를 만들어 온 송수련(1945– )의 전시입니다. 2024년 서울시립미술관에 기증된 작품을 중심으로, 50여 년의 작업을 네 가지 시선으로 나눠 살펴봅니다: '추상의 모색', '관조의 조형', '시간의 축적', '비움의 흔적'.기간 2026. 12. 17 – 2027. 3. 21장소 서울시립미술관 서소문본관 2층 가나아트컬렉션 전시실/상설 전시실규모 16점관람료 무료《박석원》 박석원, 작품명 확인 필요. 이미지 제공: 국립현대미술관60여 년간 활동해 온 현역 조각가 박석원(b.1942)의 회고전입니다. 철, 알루미늄, 석고, 나무, 돌, 한지 등 다양한 재료를 다뤄 온 작업을 통해 한국 추상조각이 어떻게 전개됐는지 살펴봅니다. 앵포르멜 추상 철조각에서 시작해 전위적 조각 실험, 물질의 추상 조각, 인간 의식을 공간으로 옮기는 작업까지 변화 과정을 보여줍니다.기간 2027. 2. 18 – 6. 27장소 국립현대미술관 과천 1층 1전시실, 중앙홀관람료 과천 전시관람권 3,000원 EDITOR'S TIP 진행 중인 《서도호》 전시(국립현대미술관 서울, ~2027. 2. 9)와 연계해, 11월 11일부터 2027년 1월 10일까지 MMCA영상관에서 다큐멘터리 상영 프로그램 《서도호의 현장들》이 무료로 열립니다. 전시에 나오지 않는 해외 장소특정 설치작의 제작 과정을 볼 수 있습니다. 《서도호의 현장들》 포스터. 이미지 제공: 국립현대미술관 SCHEDULE AT A GLANCE 11. 12 조지아 오키프와 미국 모더니즘 (과천) 11. 26 요모조모 이슬기 (서소문) 11. 27 읽기의 기술 (서울) 12. 10 사운드는 언제나 살아있다 (북서울) 12. 17 파리의 이방인 (덕수궁) · 관조―추상 (서소문) 2027. 2. 18 박석원 (과천) 출처: 국립현대미술관, 서울시립미술관 공식 전시 정보