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알프스 산골 마을에서 자란 마테오 하이츠만(Matteo Haitzmann)은 여섯 살에 바이올린을 배웠다. 민속 음악과 재즈, 바로크 바이올린을 거쳐 퍼포먼스 아트로 활동을 넓혀온 그가 〈Make it Count〉에서 손에 쥔 악기는 줄넘기다. 줄이 바닥을 치고 두 발이 다시 허공에 뜨는 동안, 뛰는 몸은 어떻게 음악이 될까. 


줄넘기가 악기가 되는 무대

2025년 7월, 빈 임펄스탄츠(ImPulsTanz) 페스티벌. 무대 한가운데 놓인 좁고 긴 단 위에 하이츠만이 붉은 줄넘기를 들고 섰다. 왼쪽에는 확장 드럼을 맡은 유디트 슈바르츠(Judith Schwarz)가, 오른쪽에는 모듈러 신시사이저를 연주하는 아르투어 푸시(Arthur Fussy)가 자리했다. 하이츠만은 한 시간 가까이 줄넘기를 했다. 바닥에 설치한 마이크가 줄이 닿는 순간의 타격음을 포착했다. 그 위로 줄이 공기를 가르는 소리와 드럼, 신시사이저의 음색이 겹쳐졌다. 빈과 베를린을 오가며 활동하는 바이올리니스트이자 퍼포머, 작곡가인 하이츠만의 콘서트 퍼포먼스 〈Make it Count〉다.

〈Make it Count〉 공연 장면. 마이크를 단 바닥 위에서 줄넘기가 드럼, 모듈러 신시사이저와 함께 하나의 앙상블을 이룬다. 사진 Stefan Hauer

바이올린을 들고 춤을 추기까지

하이츠만은 오스트리아 잘츠부르크주의 작은 마을 운켄(Unken)에서 태어났다. 마을에는 전통 의상 협회가 있었고, 슈플라틀러 춤과 메이폴 축제도 일상의 일부였다. 여섯 살에 바이올린을 배우기 시작한 그를 어머니는 레슨이 있을 때마다 차로 한 시간 거리인 잘츠부르크 시내까지 데려다주었다. 어린 시절 그가 배운 곡은 주로 클래식 레퍼토리였다. 늘 가까이 있던 민속 음악에 연주자로서 관심을 기울인 것은 한참 뒤였다. 민속 음악을 연주하면서 그는 클래식과 낭만주의 레퍼토리 바깥의 음악을 탐색하기 시작했다.


학교를 마친 뒤에는 3년 동안 전업 모델로 세계 여러 곳을 다녔다. 이 시기에 패션과 시각예술에 대한 관심이 깊어졌고, 이후 다시 바이올린을 들었다. 2011년 린츠의 안톤 브루크너 사립대학교에서 재즈 바이올린과 바로크 바이올린을 함께 공부하기 시작했다. 같은 무렵 컨템퍼러리 포크 앙상블 ALMA를 결성했고, 재즈 컬렉티브 리틀 로지스 킨더가르텐(Little Rosies’ Kindergarten)과 즉흥연주 4중주단 s q u a m a t a에도 창립 멤버로 참여했다. 이후 빈 미술 아카데미에서 퍼포먼스 아트를 공부하고 베를린 예술대학교(UdK)에서 SODA(Solo/Dance/Authorship) 석사 과정을 마쳤다.


2017년에는 ALMA와 니더외스터라이히 톤퀸스틀러 오케스트라의 협연으로 빈 무지크페라인 황금홀에 데뷔했다. 빈 콘체르트하우스와 함부르크 엘프필하모니, 파리 퐁피두 센터와 브뤼셀 카이테아터에서도 무대에 섰다. 그가 자신의 몸을 새롭게 바라보게 된 계기는 안무가 시몬 마이어(Simon Mayer)의 〈Sons of Sissy〉였다. 알프스의 민속 음악과 춤, 의례를 실험적으로 풀어낸 이 작품에서 그는 연주와 춤을 함께 맡았다. 춤이 자신에게 자연스럽게 느껴진다는 걸 처음 알게 된 무대였다고 그는 회고한다.


10분의 실험에서 한 시간의 공연으로

〈Make it Count〉의 출발점은 베를린 예술대학교 입학 지원을 위해 만든 10분짜리 솔로였다. 하이츠만은 냄비에 마이크를 달고, 뛸 때 나는 소리를 실시간으로 녹음해 반복 재생하는 실험을 했다. 2021~2022년에는 빈의 재즈 클럽 포기 앤 베스(Porgy & Bess) 레지던시에서 줄넘기와 드럼으로 구성한 10분짜리 듀오를 처음 선보였다. 그는 이 무대에서 같은 동작을 거듭하는 일이 뛰는 사람과 지켜보는 사람 모두에게 얼마나 강렬한 경험이 될 수 있는지 실감했다고 한다.


하이츠만은 이 방식을 ‘점핑 히프노시스(Jumping Hypnosis)’라고 부른다. 한 시간 가까이 점프가 이어지면, 처음에는 익숙해 보이던 동작이 점차 최면이나 의례처럼 느껴진다. 줄은 일정한 간격으로 시간을 재는 진자이자, 바닥에 닿을 때마다 소리를 내는 악기다. 그는 이 공연의 구성을 재즈에 빗댄다. 곡의 형식을 미리 정해두고 그 안에서 즉흥적으로 연주하듯, 무대에도 정해진 구조와 즉흥의 여지가 함께 있다. 조명 디자이너 한나 크리텐 탕수(Hanna Kritten Tangsoo)와 사운드 디자이너 루카스 프로샤우어(Lukas Froschauer)가 설계한 빛과 소리, 무대를 채우는 안개도 이 흐름을 따른다.


작품은 2023년 12월 베를린 예술대학교 SODA 졸업 공연에서 첫선을 보였다. 이듬해에는 빈의 공연장 브루트(brut Wien) 무대에 올랐고, 2025년에는 도른비른의 탄츠 이스트(tanz ist) 페스티벌과 임펄스탄츠의 [8:tension] 시리즈에 초청됐다. 같은 해 오스트리아 안무 플랫폼(Choreographic Platform Austria, CPA) 선정작으로 잘츠부르크 SZENE에서도 공연됐다. 하이츠만에 따르면, 춤 공연이 낯선 관객도 계속해서 뛰는 몸이 들이는 수고만큼은 함께 느낄 수 있었다고 한다.


공감과 고독을 노래하는 목소리

첫 솔로 작업 〈Those we lost〉(2022~2023)에서 하이츠만은 무대 위에서 처음으로 노래를 불렀다. 작품의 출발점은 사진가 기디언 멘델(Gideon Mendel)이 1993년 런던 최초의 에이즈 병동을 기록한 사진집 《The Ward》였다. 하이츠만은 이 사진들을 통해 1980~1990년대의 기억을 현재로 불러오고, 그 시절의 상실을 퀴어 공동체의 유산으로 기렸다. 뮤직비디오 〈Do what you have to do〉도 이 프로젝트와 함께 발표했다.


2025년 10월 브루트에서 초연한 〈Im Styx baden〉(스틱스강에서 목욕하기)에서는 자신의 고독을 음악적 독백으로 풀어냈다. 하이츠만이 ‘퍼포머티브 발라드 이브닝’이라 부르는 이 작품의 제목은 그리스 신화에서 이승과 저승을 가르는 스틱스강에서 따왔다. 그는 2년간 쉼 없이 일하면서 타인의 감정에 공감하는 능력마저 잃어가는 듯했다고 말한다. 일이 감당할 수 없을 만큼 쌓일 때 찾아오는 상실감과 고독, 많은 이들에게 익숙할 그 감정에서 작품은 시작됐다.



하이츠만은 무대에서 자신과 다른 누군가를 연기하게 되는 순간을 경계한다. 그가 뛰거나 몸을 흔드는 것은 자기 동작이 어떻게 보일지 판단하는 데서 잠시 벗어나기 위해서다. 관객이 편하게 다가올 수 있으면서 자신도 관객석에 앉아 보고 싶은 공연을 만드는 것. 그에게는 그 두 가지가 모두 중요하다. 뛰어난 기교는 여전히 그를 매혹하지만, 그 기교를 언제 쓸지는 신중하게 고른다. 〈Make it Count〉에서 그 선택은 선명하다. 줄이 정확한 박자로 바닥을 치는 소리를 들으면서, 관객은 또한 그 박자를 이어가기 위한 하이츠만을 있는 그대로 바라보게 된다.





활동 거점 오스트리아 빈, 독일 베를린
분야 바이올린, 보컬, 퍼포먼스, 작곡
주요 작업 〈Im Styx baden〉(2025), 〈Make it Count〉(2023~), 〈Those we lost〉(2022~2023), 〈Sons of Sissy〉(시몬 마이어 작, 퍼포머 참여)
앙상블 ALMA, Little Rosies' Kindergarten, s q u a m a t a
웹사이트 matteohaitzmann.com, instagram.com/matteo.haitzmann


출처

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